Glossaire de la musique

A

Accelerando:

en accélérant

Adagio:

très lent

Allegro:

animé; assez rapide

Andante:

assez lent; à une allure de marche lente

Andantino:

un peu plus rapide qu'andante

Antiphonique:

musique provenant en alternance de deux côtés opposés de la salle

Armature de la clé:

Symboles appelés « dièse » et « bémol » placés au début de la partition d'une composition, d'un mouvement ou d'une section pour indiquer la tonalité de ce qui suit. L'absence de dièse ou de bémol indique que la tonalité est le do majeur (ou sa relative, le la mineur). La présence d'un dièse signifie que la tonalité est le sol majeur ou le mi mineur. Rares sont les tonalités à plus de quatre dièses (mi majeur ou do dièse mineur) ou bémols (la bémol majeur ou fa mineur), mais la possibilité existe.

Arrangement:

Adaptation, refonte ou transcription d'un morceau de musique à partir du matériau thématique original, mais en modifiant les rythmes, les harmonies, l'ordre de présentation des événements musicaux et l'instrumentation ou les combinaisons vocales. Certains passages de la partition originale peuvent être supprimés, allongés ou agencés différemment. Les termes « arrangement » et « transcription » sont parfois interchangeables, mais de manière générale, une transcription fait appel à des instruments et/ou des voix différents de l'original tout en respectant l'ordre des événements musicaux mesure par mesure et sans modifier l'harmonie ni le rythme. Dans la Collection, consulter le Concerto pour alto de Haendel transcrit par Henri Casadesus.

Atonalité:

Absence totale et intentionnelle de centre tonal dans certaines œuvres musicales, à partir du début du XXe siècle. Contrairement à la musique tonale fondée sur une hiérarchie des hauteurs de son selon laquelle certaines notes sont plus importantes que d'autres pour définir la stabilité harmonique d'un morceau, dans la musique atonale, toutes les hauteurs de son ont la même importance. Arnold Schoenberg et ses disciples Alban Berg et Anton von Webern furent les premiers compositeurs connus à écrire de la musique atonale.
Au début du XXe siècle, un mouvement musical qui s'est donné le nom de « néoclassicisme » a préconisé le retour aux qualités de la musique du XVIIIe siècle, tout en utilisant les harmonies propres au XXe siècle!

aria (« air »):

Chant en solo avec accompagnement instrumental, qui constitue l'un des principaux ingrédients d'un opéra.

Retour en haut

B

Bach , Jean-Sébastien(1685-1750):

Compositeur célèbre qui était aussi un fameux claveciniste, organiste et expert en facture d'orgues.

Ballet:

Spectacle théâtral dont les personnages sont dansés, dans des décors artistement élaborés.

Baroque:
Les musicologues ont emprunté le mot « baroque » au domaine de l'histoire de l’art. Ce terme qui désigne une période comprise à peu près entre 1600 et 1750 évoque à lui seul les cathédrales impressionnantes, les palais grandioses, les audacieux explorateurs, la quête insatiable de connaissances, les toiles aux couleurs riches . . . et, bien entendu, la magnifique musique baroque. L'esprit de l'ère baroque a pour caractéristiques le dynamisme et l’aventure, la solennité et la monumentalité, l’opulence et la flamboyance. Des peintres comme Rembrandt et Rubens ont illustré des scènes d'une intensité et d'une portée étonnantes. Des penseurs comme Kepler et Galilée ont scruté les cieux et ont reformulé la conception que l'homme avait de l'univers, tandis que Leeuwenhoek a découvert un univers entièrement nouveau derrière la lentille d'un microscope. James Cook a exploré les mers inconnues de la planète, tandis que Descartes, Spinoza et Newton ont levé le voile sur des territoires inconnus de l'intellect. Pour connaître la musique de cette époque passionnante, il faut se tourner vers des musiciens comme Bach, Haendel, Vivaldi, Corelli et Telemann.
Étrangement, le mot « baroque » provient du portugais barocca qui désignait à l'origine un objet bizarre, grotesque ou de forme irrégulière. L'application de ce terme aux beaux-arts s'explique par le fait que l'on considérait en général que l'architecture et la peinture de l'époque représentaient une dégénérescence du style de la Renaissance. Ce n'est qu'au tournant du XXe siècle que cette attitude a changé et que l'on a commencé à apprécier les caractéristiques positives du style « baroque ».
C'est pendant la période baroque que se sont solidifiées ou ont apparu bon nombre des caractéristiques que nous associons de nos jours à la musique classique occidentale : la tonalité, un intérêt accru pour la musique instrumentale (alors que la Renaissance avait privilégié presque exclusivement la musique vocale), la naissance de l'orchestre symphonique et celle de divers genres musicaux tels que le concerto, la cantate, l’opéra, l’oratorio, la suite et la sonate.
Beethoven, Ludwig van(1770-1827):

L'un des compositeurs dont l'influence a été la plus grande dans toute l'histoire de la musique. Il a radicalement transformé presque chaque forme musicale à laquelle il s'est exercé. Ses neuf symphonies figurent parmi ses plus belles œuvres et, depuis, la plupart des autres compositeurs s'en sont inspirés pour leurs propres symphonies.(Voir aussi Portrait d'un Compositeur : Ludwig van Beethoven)

Brahms, Johannes(1833-1897):

L'un des plus grands compositeurs de la période romantique. Comme Beethoven, il naît en Allemagne, mais passe la majeure partie de sa vie à Vienne. Les œuvres de Brahms sont composées en suivant les formes de la période classique, mais ont un caractère plutôt romantique. Parmi ses compositions les plus connues citons quatre symphonies, de nombreuses danses hongroises et un concerto pour violon. (Voir aussi Portrait d'un Compositeur : Johannes Brahms)

Retour en haut

C

Cadence:

Dans une composition pour soliste et orchestre, passage où le soliste joue complètement seul et souvent avec une grande virtuosité. À l'origine, la cadence donnait au soliste l'occasion de montrer ses talents d'improvisateur en utilisant le matériau mélodique, harmonique et rythmique déjà présenté. À partir du XIXe siècle, les compositeurs ont généralement écrit eux-mêmes leurs cadences. C'est souvent à la fin du premier mouvement d'un concerto que l'on entend une cadence.

Cantabile:

mélodieusement, bien chantant

Cantate:

Composition destinée à être chantée (généralement par une ou deux voix solistes) avec accompagnement d'orchestre, et souvent avec un chœur, divisée en plusieurs sections ou mouvements. Le texte peut provenir de sources sacrées ou profanes.

Chef d'orchestre:

Personne qui se tient debout face à un orchestre, un chœur ou un ensemble. Le rôle du chef d'orchestre consiste à indiquer aux musiciens quand ils doivent commencer à jouer ou s'arrêter, à s'exercer avec les musiciens pour qu'ils jouent de manière homogène, à imposer une certaine uniformité de style et à transmettre ses idées en matière d'interprétation de la musique.

Chopin, Frédéric(1810-1849):

Compositeur polonais qui a passé toute sa vie adulte à Paris, où il a écrit presque exclusivement des œuvres pour piano, dont la plupart figurent parmi les musiques les plus exquises, les plus romantiques et les plus aimées du répertoire.

Chromatisme :

Usage abondant de notes n'appartenant pas à une gamme donnée. Par exemple, un compositeur qui utiliserait uniquement les notes appartenant à la gamme de do majeur éviterait le chromatisme, mais aboutirait à une composition ennuyeuse. Le mot « chromatique » vient du grec khroma qui signifie couleur. Dans un sens, le chromatisme permet de « colorer » la gamme à l'aide de sons étrangers, lui donnant ainsi plus d'intérêt sur le plan mélodique et harmonique et renforçant

Chœur:

Groupe de chanteurs qui se produisent ensemble, chaque partie étant interprétée par plus d'un chanteur. Le mot « chœur » désigne aussi un passage chanté par un ensemble vocal dans une composition musicale (c'est le cas par exemple de « l'Alléluia » du Messie de Haendel).

Classicisme:

Le mot latin classicus signifie « de première classe ». Par extension, le terme « classique » désigne quelque chose de durable, qui transcende les modes. C'est pourquoi nous utilisons ce terme pour désigner quelque chose qui semble permanent et qui fait autorité. Ce terme peut s'appliquer à un film, une recette, une plaisanterie, une peinture ou une composition musicale. La musique créée au cours de la deuxième moitié du XVIIIe siècle cultivait les qualités attribuées à l'art et à l'architecture de l'antiquité gréco-romaine « classique » considérée comme la base de l'éducation et de la civilisation : équilibre formel, proportion, lignes épurées et ordre. Le classicisme préconisait donc des textures claires, des phrases mélodiques bien équilibrées et une réticence à franchir les limites du « bon goût » tel qu'il était défini à l'époque. La règle tacite était à peu près « Éviter de faire des vagues ». Cela explique peut-être que cette époque a produit très peu de véritables grands compositeurs, des musiciens qui osaient se montrer originaux et différents. (Haydn et Mozart se démarquent nettement des autres.) Il arrivait souvent que le public désapprouve vivement les entorses à cette règle.

Clef:

Signe placé au début de la portée pour indiquer la hauteur des notes qui y sont inscrites. La plupart des instruments utilisent la clé de sol qui indique que la note fondamentale est le sol. L'autre signe le plus souvent utilisé est celui de la clé de fa. Il existe également d'autres clés qui servent pour certains instruments ou types de voix.

Coda:

Terme italien qui signifie littéralement « queue » et qui désigne un passage musical supplémentaire attaché (sans pause ni séparation) à la fin d'un morceau ou d'un mouvement. La plupart des codas sont brèves mais il arrive que certaines soient assez longues.

Concertino:

(1) Concerto bref et de moins grande envergure, généralement en un seul mouvement ou composé de plusieurs sections contrastantes et reliées entre elles. Le terme allemand Konzertstück désigne le même type de composition. (2) Groupe d'instruments solistes dans un concerto grosso.

Concerto:

Composition pour soliste(s) et orchestre, généralement en trois mouvements. La plupart des concertos sont destinés au piano ou au violon, mais il en existe pour tous les instruments et parfois même pour plusieurs instruments. Le soliste et l'orchestre présentent, soit individuellement, soit ensemble, des idées musicales qu’ils développent et intègrent dans une sorte de joute musicale dynamique.

Concerto grosso :

Type de composition courant à l'époque baroque dans laquelle un petit groupe de solistes (appelé le concertino) est mis en opposition avec l'orchestre complet (ripieno). Le concerto grosso consiste à faire alterner les passages musicaux confiés à chacun des deux groupes. À l'époque baroque, qui a vu l’apogée des concerti grossi, ces œuvres étaient surtout destinées aux cordes; quelques exemples de ce type de composition ont été écrits au XXe siècle.

Contrepoint:

Utilisation simultanée de deux ou plusieurs lignes musicales indépendantes. Le terme provient de l'expression latine punctus contra punctum qui signifie « note contre note ». Par extension, ce procédé oppose aussi mélodie contre mélodie. Le contrepoint et la polyphonie sont des techniques virtuellement identiques. Le deuxième terme est utilisé de préférence pour désigner la musique du Moyen Âge et du début de la Renaissance, alors que le contrepoint s'applique à la musique écrite par la suite. L'interaction rythmique et harmonique de deux ou plusieurs lignes musicales peut donner naissance à des textures complexes et fascinantes. Le contraire de l'écriture contrapuntique serait un hymne chanté à l'unisson, toutes les voix évoluant ensemble plutôt qu'indépendamment. Il est intéressant de noter que rares sont les cultures autres que la nôtre qui utilisent le contrepoint en musique.

Couleur tonale:

Même sens que le mot timbre, mais on l'utilise souvent pour désigner des combinaisons de timbres. On peut mélanger les timbres de la même manière que l'on mélange des couleurs dans une peinture. Le mélange du rouge et du jaune donne de l'orange. La combinaison d'une flûte et d’un violon produit une couleur tonale particulière. Les musiques composées au XIXe et au XXe siècle cherchent souvent à recréer des couleurs particulières visant à évoquer des atmosphères, des phénomènes naturels ou des personnages.

Crescendo:

de plus en plus fort

Retour en haut

D

Debussy, Claude (1862-1918):

Compositeur français du début du XXe siècle, célèbre pour sa musique « impressionniste » qui présentait des sons délicatement voilés et une harmonie spéciale utilsisant la gamme par tons entiers.

Decrescendo:

de plus en plus doux (également diminueno)

Dissonance:

Terme relatif s'appliquant à une note, un accord ou un passage dont la sonorité paraît rude, discordante, agitée, instable, désagréable et qui appelle une résolution harmonique. Le degré de dissonance peut varier d'une oreille à l'autre mais, de manière générale, on constate que le seuil de tolérance de la dissonance s'est élevé au fil des années. Selon la théorie du dodécaphonisme (« écriture utilisant 12 notes égales ») de Schoenberg, les 12 notes de la gamme ont toutes une importance égale, éliminant ainsi le concept de consonance et de dissonance. L'entrée en matière explosive du dernier mouvement de la Neuvième Symphonie de Beethoven est un exemple de musique que beaucoup de personnes peuvent juger dissonante.

Divertimento:

Morceau de musique composé de plusieurs mouvements généralement d'allure légère et agréable. Les divertimentos, qui étaient surtout courants à la fin du XVIIIe siècle (l'époque de Mozart et de Haydn) contenaient souvent des mouvements de danse. Divertimento est un mot italien venant du verbe divertire qui signifie divertir.

Dodécaphonisme:

Méthode de composition dans laquelle les 12 notes de la gamme chromatique ont toutes une importance égale (par opposition à la musique « tonale » dans laquelle les hauteurs de son sont classées selon leur importance relative). Le compositeur établit une « série » agençant les 12 notes dans un ordre arbitraire, mais fixé et prédéterminé. La composition musicale se sert de la série comme base de départ et la soumet à des procédés continus de variation, de transposition, de fragmentation et de développement.

Dvořák, Antonín (1841-1904):

Le compositeur le plus renommé de la Tchécoslovaquie, surtout connu pour les merveilleuses mélodies qu'il a incorporées dans ses neuf symphonies (dont la Symphonie du Nouveau Monde, la dernière, écrite en Amérique) et dans ses Danses slaves. (Voir aussi Portrait d'un Compositeur : Antonín Dvořák)

Dynamique:

Partie de l’expression musicale concernée par le volume sonore de la musique. Parfois, la dynamique peut changer brusquement, parfois graduellement. Les termes utilisés pour décrire l'intensité sonore sont généralement en italien (forte, piano, mezzo-piano, fortissimo, etc.)

Retour en haut

E

Elgar, Edward(1857-1934):

Premier grand compositeur anglais depuis le début de la période baroque. Elgar a su inclure un sentiment de fierté nationale, de noblesse et de spiritualité à un style populaire. Ses marches Pomp and Circumstance sont parmi ses œuvres les plus connues.

Exposition:

Section principale d'ouverture (parfois précédée d'une introduction) dans une composition, où le matériau thématique principal est présenté ou « exposé ».

Retour en haut

F

Forme sonate:

Structure de grandes dimensions d'un morceau de musique ou d'un mouvement (le plus souvent le premier mouvement d'un morceau qui en comprend plusieurs) dans laquelle la section de l'exposition présente deux (parfois trois) tonalités qui sont soumises à un développement harmonique, puis reconstituée dans la réexposition afin de résoudre les conflits de tonalités. Chaque tonalité est généralement associée à son propre thème.

Forte:

indication dynamique demandant un volume « fort »

Fugue:

Composition, souvent conçue pour un instrument à cordes frappées, dans laquelle plusieurs lignes mélodiques (ou « voix » - habituellement trois ou quatre) se succèdent sur le même thème mais dans un registre différent, et sont ensuite largement développées dans les multiples variations du thème. une voix présente un sujet qui est répété successivement dans différents registres par plusieurs autres voix supplémentaires (il y en a généralement quatre au total, mais il existe également des fugues à trois et cinq voix). Le sujet est ensuite combiné à des contre-sujets et soumis à divers procédés de fragmentation, d'inversion, d'expansion, de contraction et autres dans un contrepoint continu.Le plus célèbre compositeur de fugues était Jean-Sébastien Bach (1685-1750).

Retour en haut

G

Gamme:

Disposition schématique des notes dans l'ordre ascendant ou descendant, les notes étant généralement séparées par un ton ou un demi-ton. La gamme de do majeur (commençant sur la note do) et la gamme de la mineur (commençant sur le la) se jouent uniquement sur les touches blanches d'un piano. Toutes les autres gammes font appel à une ou plusieurs touches noires.

Glissando:

glissade entre deux notes dans laquelle on entend toutes les hauteurs de son qui les séparent. Dans l'orchestre, tous les instruments à cordes peuvent exécuter un glissando parfait, mais parmi les vents, seul le trombone peut le faire. Les autres instruments doivent se contenter d'une approximation. (Abrév. gliss.)

Gould, Glenn(1932-1982):

Un des plus grands pianistes canadiens, spécialiste de Bach.

Grieg, Edvard(1843-1907):

Le plus grand compositeur norvégien. Des éléments de la musique populaire norvégienne colorent bon nombre de ses compositions, leur donnant un son unique et distinctif. Ses œuvres les plus connues comprennent un concerto pour piano, la musique de la pièce Peer Gynt et de nombreuses Pièces lyriques pour piano.

Retour en haut

H

Harmonie:

Production simultanée de différentes hauteurs de sons qui se combinent pour former un accord. (Le mot grec harmonia signifie « assemblage de sons ».) Dans chaque accord, la configuration des sons est différente. L'harmonie se rapporte soit à l’agencement vertical local des sons, soit à la progression globale des accords dans un morceau de musique. Certains accords paraissent doux et agréables, d'autre sonnent de manière dure ou déplaisante (ces derniers sont généralement qualifiés de « dissonants »).

Harmonique:

Dans le cas des instruments à cordes, notes faibles, ténues, très aigües qui sonnent presque comme un sifflement (« son diphonique ») que le musicien produit en enfonçant fermement une corde avec un doigt tout en la touchant légèrement en son centre avec un autre doigt.

Harpe:

La harpe est un instrument à cordes pincées dont l'histoire remonte aux temps anciens. La harpe moderne utilisée dans les orchestres symphoniques comporte plusieurs dizaines de cordes et est si grande qu'elle doit être posée sur le sol plutôt que sur les genoux du musicien.

Haydn, Franz Joseph(1732-1809):

Avec Mozart, Haydn est le plus grand musicien de la période classique. On le connaît surtout comme le compositeur qui a porté à un haut niveau de perfection les symphonies et les quatuors à cordes (sans toutefois les inventer, comme l'affirment certains). Drame, élégance et de nombreuses surprises caractérisent sa musique. Il a écrit plus de 100 symphonies et presque autant de quatuors à cordes. (Voir aussi Portrait d'un Compositeur : Franz Joseph Haydn)

Hændel, Georg Friedrich:

Né la même année que Bach, Hændel partage avec lui l'honneur d'être l'un des deux plus grands compositeurs de la fin de la période baroque. La plupart du temps, la musique de Hændel est très énergique et joyeuse, notamment les célèbres Water Music et Music for the Royal Fireworks. (Voir aussi Portrait d'un Compositeur : Georg Friedrich Hændel)

Retour en haut

I

Improviser:

Créer une mélodie au pied levé et au gré du musicien; autrement dit, le musicien ne joue pas les notes écrites sur une page, mais fait plutôt appel à son imagination pour composer une musique possédant une relation spirituelle avec la source originale.

Intermezzo:

Bref interlude musical entre les actes d'une pièce théâtrale ou les parties d'une longue œuvre musicale.

Intervalle:

Différence de hauteur de son entre deux notes. Par exemple, l'intervalle entre le do et le ré (deux touches blanches voisines sur le clavier) est une seconde. Le do et le mi sont séparés par un intervalle d'une tierce, le do et le fa par une quarte, etc. Il est possible d'indiquer l'intervalle avec plus de précision en ajoutant les termes « majeure » ou « mineure » (on dira par exemple une tierce mineure) ou parfois « diminuée » ou « augmentée ».

Retour en haut

J

Jazz:

Type de musique apparue dans le Sud des états-Unis à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Des éléments de musique d'Afrique occidentale, des chants gospel américains et des harmonies européennes se combinent pour former les divers types de jazz, notamment le ragtime, le blues, le Dixieland, le swing, le be-bop et le jazz cool. Le jazz repose largement sur l'improvisation et est caractérisé par l'utilisation abondante de rythmes syncopés.

Jeu en double corde:

sur un instrument à cordes, technique qui consiste à jouer sur deux cordes simultanément pour produire deux sons. Il est également possible de jouer en triple et quadruple corde.

Retour en haut

L

Largo:

très très lent; plus lent même qu'adagio

Legato:

lié, sans cassure entre les notes

Lieder:

Mélodies (par opposition à chants folkloriques ou populaires) écrites par des compositeurs allemands. Schubert, Schumann, Brahms et Strauss sont des compositeurs célèbres de Lieder (singulier : Lied).

Retour en haut

M

Mendelssohn, Félix(1809-1847):

Compositeur allemand, virtuose du piano et l'un des premiers grands chefs d'orchestre de l'histoire de cette profession. Sa musique est de style classique mais souvent d'esprit romantique, comme en témoigne l'œuvre composée pour accompagner le Songe d'une nuit d'été de Shakespeare. (Voir aussi Portrait d'un Compositeur : Félix Mendelssohn)

Menuet:

Danse de salle de bal élégante et très répandue au XVIIIe siècle, qui se caractérise par de petits pas délicats exécutés sur un rythme modéré à trois temps.

Messe:

Œuvre de grande envergure pour chœur, orchestre et chanteurs solistes basée sur le texte liturgique de l'Église catholique. Les compositeurs mettent généralement en musique les cinq sections principales de l'Ordinaire de la messe (c'est-à-dire celles que l'on chante à toutes les célébrations) : le Kyrie, le Gloria, le Credo, le Sanctus (avec le Benedictus) et l’Agnus Dei. Le Requiem (messe des morts) ne comprend pas de Gloria mais intègre d'autres sections se rapportant à la cérémonie funèbre.

Modernisme:

Il est difficile de définir ce qu'est la musique « moderne » ou « contemporaine ». Est-ce une musique qui paraît moderne à notre oreille? Mais nous savons bien que ce qui semble moderne aux uns ne l'est pas nécessairement pour les autres : tout est relatif. La musique moderne est-elle la musique écrite au XXe siècle, ou plus récemment? Est-ce que musique « moderne » et musique « contemporaine » désignent une même réalité? Faute de meilleure définition, de nombreux historiens qualifient de « musiques modernes » toutes les musiques écrites au XXe et au XXIe siècle. Il serait peut-être préférable de considérer que la musique « moderne » est celle qui paraît avoir été écrite récemment, alors que la musique « contemporaine » est celle qui a été véritablement composée depuis une trentaine d'années.
La musique moderne se caractérise entre autres par une harmonie très avant-gardiste, un grand usage de la polyrythmie, un recours beaucoup plus grand aux instruments de percussion, des lignes mélodiques hautement imprévisibles (ou pas de lignes mélodiques du tout), l'absence de centre tonal (comme le do majeur ou le la mineur), une puissance barbare, des instrumentations extrêmement peu courantes et la description de scénarios bizarres et parfois même défiant toute logique.
Pourtant, s'il fallait absolument définir la musique du XXe siècle, on pourrait souligner la volonté de nombreux compositeurs (bien entendu, il y a toujours des exceptions – Rachmaninov, par exemple) de s'éloigner de l'expression des émotions et de privilégier plutôt la manipulation du son comme un matériau abstrait. Le rythme, l'harmonie et parfois même la mélodie continuent à jouer leur rôle, mais désormais, c'est la forme, la structure les contours et la texture qui ont préséance – la musique est, si l'on veut, abordée comme une sorte d'architecture sonore. Certains compositeurs ont même écrit des morceaux intitulés Octandre, Ionisation, Lines and Points, Structures, Sonic Contours ou Density 21.5.
L'histoire de la musique révèle une volonté constante d'inventer de nouveaux moyens d'agencer les sons et, dans un sens, de nombreux compositeurs du XXe siècle ont cherché à réagir au romantisme exacerbé du XIXe siècle qui lui-même représentait un rejet de la règle de la forme et de la structure qui avait cours au XVIIIe siècle, qui lui-même… Plus ça change, plus c'est pareil! Quelle direction prendra la musique du XXIe siècle? C'est à vous de le découvrir!

Motif:

Phrase brève ou courte série de notes (généralement plus courte qu’un thème ou une mélodie) qui constitue un élément essentiel de la trame musicale, revenant fréquemment ou même continuellement tout au long du morceau. Le motif de quatre notes sur lequel débute la Symphonie no 5 de Beethoven est un exemple célèbre.

Mozart, Wolfgang Amadeus(1756-1791):

Peut-être le compositeur le plus connu et le plus aimé de tous les temps. Il a incarné mieux que quiconque les termes d'« enfant prodige » et de « génie », en écrivant des pièces pour piano dès l'âge de cinq ans et cinq opéras complets à 12 ans. La beauté absolue, le charme gracieux et le caractère profondément expressif de sa musique font qu'elle plaît à des millions de personnes à travers le monde. (Voir aussi Portrait d'un Compositeur : Wolfgang Amadeus Mozart)

Musicologue:

Personne qui se spécialise dans l'étude de l'histoire de la musique et dans les domaines connexes.

Musique classique:

Terme qui désigne habituellement la musique sérieuse conçue pour les salles de concert, mais qui peut également représenter toute forme de musique qui transcende le temps (par exemple, le jazz classique, les airs populaires classiques, etc.).

Musique de chambre:

Musique conçue pour un musicien par partie, contrairement à la musique orchestrale dans laquelle chaque partie pour violon peut être interprétée simultanément par plusieurs musiciens. La plupart des œuvres de musique de chambre sont destinées à des ensembles de deux à cinq musiciens mais on peut en compter jusqu'à 15. L'expression « orchestre de chambre » est une sorte de contradiction dans les termes et désigne un orchestre qui réunit plusieurs musiciens pour chaque partie des cordes, mais dont les effectifs sont moins nombreux que ceux d'un orchestre symphonique ordinaire. Cette appellation est un vestige de l'époque où la musique de ce type était jouée dans des lieux intimes – une pièce (chambre) dans une résidence ou un palais – plutôt que dans une grande salle, à l'opéra ou à l'église.

Musique de scène :

Musique composée de plusieurs morceaux brefs, généralement écrite pour accompagner une pièce ou une autre représentation théâtrale. La plupart des musiques de scène sont instrumentales, mais elles peuvent également intégrer des morceaux de musique vocale ou chorale. Par la suite, ces musiques de scène sont parfois agencées en suites orchestrales. Les exemples les plus célèbres sont la musique écrite par Grieg pour la pièce Peer Gynt et par Mendelssohn pour Le Songe d'une nuit d'été.

Musique à programme :

Musique instrumentale inspirée par une idée extra- musicale – histoire, personnage, paysage, figure littéraire ou événement historique. Les Quatre Saisons de Vivaldi, Schéhérazade de Rimski-Korsakov et Don Quichotte de Strauss en sont des exemples parfaits.

Mètre:

Chiffres indiquant combien de notes de la même valeur sont groupées en motifs réguliers de pulsations accentuées et non accentuées. Le mètre est indiqué au début d'un morceau de musique ou d'une section par un signe qui se présente sous la forme d'une fraction. Le chiffre inférieur est toujours un 2 ou un multiple de 2 (4, 8, 16, etc.) tandis que le chiffre supérieur peut aller de 1 à 6 et même plus haut. Ainsi, 3/4 (« mesure à trois-quatre ») indique qu'il y a trois noires par mesure (comme dans une valse); 6/8 indique qu'il y a six noires par mesure. Voir aussi Rythme.

Mélodie:

Enchaînement de sons sur un motif rythmique, dans une interaction cohérente. Une mélodie comprend trois sections distinctes – un début, une partie centrale et une fin. Elle se caractérise par une montée climacique suivie d'un retour au calme. Chaque mélodie a sa propre forme – fluide, irrégulière, droite ou brisée. Elle est composée de divers éléments tels que des phrases, des motifs et des cadences, un peu comme le langage parlé.

Métronome:

Dispositif mécanique inventé au début du XIXe siècle pour aider les musiciens à garder la mesure lorsqu'ils jouent. Sur les modèles les plus courants, le nombre de « tocs » à la minute peut varier de 40 à 208.

Retour en haut

N

Nocturne:

Littéralement, musique de nuit; composition (généralement) calme, méditative évoquant un événement ou une activité nocturne ou qui s'en inspire.

Retour en haut

O

Obbligato:

Partie importante, essentielle (« obligatoire ») destinée à un instrument solo accompagnant un chanteur dans une aria. Cette partie est souvent si importante qu'elle devient une sorte de deuxième solo se combinant avec le premier. Les parties obbligato sont surtout courantes dans la musique baroque.

Opus:

Mot latin signifiant « œuvre ». Numéro attribué à un morceau de musique indiquant son ordre chronologique de publication (il faut noter qu'il s'agit de l'ordre de publication et pas nécessairement l'ordre de composition). Généralement précédés de l’abréviation « op. », les numéros d'opus ne sont pas toujours un moyen permettant de déterminer avec certitude quand une œuvre a été écrite. Il arrive parfois qu'une œuvre composée dans la jeunesse d'un compositeur ne soit publiée qu'après sa mort. Pour certains compositeurs (Mahler et Bruckner, par exemple), nous n’utilisons pas de numéro d'opus; certains compositeurs comme Richard Strauss ont cessé de les utiliser à un certain moment de leur carrière. Dans certains cas spéciaux, nous nous servons des numéros de catalogue attribués par les personnes qui ont répertorié les œuvres, notamment Köchel pour Mozart (K. suivi du numéro), Deutsch pour Schubert (D. suivi du numéro) ou Ryom pour Vivaldi (RV suivi du numéro).

Opéra:

Œuvre théâtrale pour chanteurs et orchestre dans laquelle les décors, les costumes, les accessoires et les éclairages sont des éléments importants. En latin, « opera » est le pluriel d’opus qui signifie tout simplement œuvre, ouvrage. La plupart des opéras se présentent comme un assemblage de numéros individuels (arias, duos, chœurs, interludes orchestraux, etc.) c'est-à-dire plusieurs « œuvres » qui, ensemble, constituent un spectacle théâtral. Le style lyrique a connu de nombreuses variantes selon les époques et les lieux, mais il propose essentiellement une alternance entre la déclamation de textes narratifs simples et clairs et la présentation de grandes envolées débordant de lyrisme qui contiennent toutes de nombreuses répétitions du texte et une grande quantité d'ornementations.

Oratorio:

Œuvre théâtrale pour chanteurs et orchestre dans laquelle les décors, les costumes, les accessoires et les éclairages sont des éléments importants. En latin, « opera » est le pluriel d’opus qui signifie tout simplement œuvre, ouvrage. La plupart des opéras se présentent comme un assemblage de numéros individuels (arias, duos, chœurs, interludes orchestraux, etc.) c'est-à-dire plusieurs « œuvres » qui, ensemble, constituent un spectacle théâtral. Le style lyrique a connu de nombreuses variantes selon les époques et les lieux, mais il propose essentiellement une alternance entre la déclamation de textes narratifs simples et clairs et la présentation de grandes envolées débordant de lyrisme qui contiennent toutes de nombreuses répétitions du texte et une grande quantité d'ornementations.

 

Orchestration:

Art d'attribuer les éléments mélodiques et harmoniques d'une composition à certains instruments en fonction des caractéristiques et des timbres particuliers de chacun d'entre eux. Souvent, les compositeurs écrivent leur musique orchestrale sous forme sténographique, puis reprennent ces esquisses afin de les orchestrer. Il est possible également d'orchestrer une musique écrite à l'origine pour un instrument solo ou pour un petit ensemble. On peut comparer l'orchestration à un dessin en noir et blanc auquel on ajoute par la suite de la couleur.

Orchestre:

Grand ensemble instrumental dans lequel les mêmes parties pour cordes sont attribuées à plusieurs musiciens. L'orchestre peut réunir uniquement des cordes, mais on y trouve généralement des bois, des cuivres et des instruments de percussion. La taille d'un orchestre peut varier de vingt à plus de cent musiciens. [Voir le texte à la section Évolution de l’orchestre au fil des siècles.]

Oreille absolue:

Faculté auditive qui permet de reconnaître une note ou une tonalité de manière isolée et sans référence contextuelle. Rares sont les individus qui peuvent prétendre avoir l'oreille « parfaite » ou « absolue ». C'est un don qui ne peut être ni enseigné ni acquis. On le possède ou on ne l'a pas. C'est un atout fort appréciable pour un musicien, mais ce n'est pas une condition indispensable pour faire de la musique et la plupart des musiciens n'ont pas l'oreille absolue.

Ostinato:

Bref motif mélodique ou rythmique répété constamment que l'on trouve généralement dans un rôle secondaire ou d'accompagnement.

Ouverture:

(1) Œuvre de musique purement instrumentale qui sert d'introduction à un opéra, un ballet ou une musique de scène. (2) Brève composition orchestrale en un seul mouvement dont le titre suggère souvent une figure littéraire ou un événement. (3) Premier mouvement ou numéro d'une suite composée de plusieurs sections.

Retour en haut

P

Partition:

Terme utilisé en général dans le cas de compositions écrites pour plusieurs musiciens différents qui désigne le document réunissant la totalité des parties jouées par les exécutants, sur des portées séparées alignées verticalement sur la page (partition d’orchestre ou grande partition). Chaque musicien dispose de sa propre partition qui contient uniquement sa partie (copiée au préalable à partir de la grande partition). En revanche, le chef d'orchestre doit suivre toutes les parties simultanément et se sert par conséquent de la grande partition pour diriger un orchestre, un chœur ou un autre ensemble. Autrement dit, le chef d'orchestre doit être capable de lire une partition à la fois verticalement et horizontalement – tout un exploit qui nécessite une solide formation!

Philharmonique:

Autre terme utilisé pour qualifier un orchestre, comme c'est le cas pour l'Orchestre philharmonique de New York. À Boston, il y a deux formations : l'Orchestre symphonique de Boston et l'Orchestre philharmonique de Boston. Les deux ensembles réunissent essentiellement le même type et le même nombre d'instruments, mais les musiciens sont différents.

Piano:

doux. Ce terme désigne évidemment aussi l'instrument à clavier de 88 touches que l'on connaît bien. D'ailleurs, le mot piano est une abréviation du terme pianoforte (littéralement « doux-fort »), qui décrit la capacité de l'instrument à produire des volumes sonores extrêmes ainsi que tous les degrés intermédiaires.

Pizzicato:

jeu consistant à pincer les cordes avec les doigts (au lieu d'utiliser un archet).

Polyphonie:

utilisation simultanée de deux ou plusieurs lignes musicales qui sont rythmiquement indépendantes l'une de l'autre.

Polytonalité:

emploi simultané de deux ou plusieurs tonalités. La bitonalité est la combinaison simultanée de deux tonalités. (Voir Tonalité)

Poème symphonique :

Œuvre orchestrale en un seul mouvement qui comporte cependant plusieurs sections continues de nature contrastante. Certains compositeurs préféraient utiliser l'expression Tone Poem. Le poème symphonique s'inspire d'un objet extra-musical tel qu'une œuvre littéraire, une figure historique, une histoire, une peinture, un paysage ou même une idée philosophique ou religieuse. Exemples de poèmes symphoniques : Poème de l'extase (Scriabine), Don Juan (Strauss), Roméo et Juliette (Tchaïkovski) et L’Apprenti sorcier (Dukas).

 

Prélude:

(1) Essentiellement le même sens que la première définition du mot « ouverture », mais souvent morceau de musique destiné à donner le ton à ce qui va suivre. (Les préludes de La Traviata, opéra de Verdi, et de Lohengrin de Wagner en sont d'excellents exemples.) Le prélude s'enchaîne parfois directement avec l'œuvre elle-même. (2) Depuis le XIXe siècle, le prélude, tout comme l'ouverture, désigne également une composition brève et autonome pour le clavier (exemple, les Préludes de Chopin).

Retour en haut

R

Ravel, Maurice:

Compositeur français souvent associé à Debussy pour sa musique impressionniste, qui est cependant de style plus classique. On trouve des rythmes de danse et des influences espagnoles dans bon nombre de ses œuvres, comme le Boléro et la Rapsodie espagnole.

Renaissance:

Le terme « Renaissance » signifie nouvelle naissance et désigne plus particulièrement une période de l'histoire qui a vu un nouvel essor de tous les arts (et pas seulement la musique) après une longue période de dormance. L'ère de la Renaissance correspond en gros aux XVe et XVIe siècles. Ce fut une époque de redécouverte de la littérature, de l'art et de l'architecture de l'antiquité grecque et romaine. L'astronome Copernic, le dramaturge Shakespeare et les peintres Léonard de Vinci et Michel-Ange furent des figures importantes de la Renaissance. Ce fut l'âge d'or de la musique vocale et chorale et aussi celui de la musique polyphonique – musique aux lignes mélodiques riches et imitatives qui s'entrecroisent et se chevauchent. Étant donné que les compositeurs de la Renaissance ont écrit relativement peu de musique purement instrumentale, et pas de musique pour orchestre tel qu'on le conçoit de nos jours, il n'existe pas de compositions de cette période dans le répertoire de l'OCNA sur Artsvivants.ca.

Rhapsodie:

Morceau de musique instrumentale extrêmement passionnée comportant plusieurs sections reliées entre elles et de caractère irrégulier, libre ou improvisé. Le mot provient du grec ancien rhapsode qui désignait un chanteur ou récitant formé spécialement pour déclamer des poèmes épiques. Les dix-neuf Rhapsodies hongroises de Liszt sont des exemples représentatifs, tout comme la Rhapsody in Blue de Gershwin.

Romantisme:

Dans le domaine de la musique, le romantisme couvre à peu près la totalité du XIXe siècle. Les différents aspects du romantisme musical sont nombreux, mais le plus évident est probablement la volonté des compositeurs de provoquer des émotions chez l'auditeur et d'exprimer des sentiments humains d'une manière extrêmement personnelle. Les compositeurs défendaient farouchement leur individualité. Le comble du malheur pour un compositeur romantique aurait été que sa musique ressemble à celle d'un autre musicien. (Jusqu'au XXe siècle, les compositrices étaient rares et l'ère romantique n'a produit aucune grande compositrice.)
Le deuxième aspect du romantisme est probablement son recours aux descriptions musicales, aux musiques narratives, aux musiques inspirées par une œuvre picturale, ou aux musiques décrivant une scène ou une personne (c'est ce qu'on appelle la musique à programme). À l'ère romantique, la création musicale s'est inspirée de mondes imaginaires, des rêves, des contes de fées, des pays lointains (en particulier l'Extrême-Orient) et du nationalisme (musique destinée à évoquer l'amour du pays natal qui intégrait souvent des chants et des danses populaires). Les compositions sont devenues plus longues, les orchestres plus grands, l'imagination n'avait plus de limites. Mais à l'aube du XXe siècle, certains ont réagi contre ces excès musicaux. Le temps était venu de changer à nouveau! La plupart des compositeurs que nous connaissons le mieux appartiennent à l'ère romantique : Beethoven, Schubert, Weber, Schumann, Chopin, Berlioz, Wagner, Verdi, Brahms, Tchaïkovski, Dvořák, Bruckner, Richard Strauss, Johann Strauss et Mahler entre autres.

Rondo:

(1) Forme musicale dans laquelle le thème principal alterne avec des thèmes secondaires selon la structure ABACADA … (2) Composition basée sur cette forme. Le compositeur n’est pas tenu d'adhérer strictement à cette formule. Le rondo est souvent utilisé comme dernier mouvement d'une sonate ou d'un concerto.

Rythme:

Progression de la valeur des notes dans le temps, sur le schéma indiqué par le mètre (voir Mètre). Les valeurs des notes peuvent reproduire un motif répétitif régulier (pensez par exemple à l'air « Joyeux Anniversaire ») ou bien être organisées de manière plus aléatoire, comme par exemple dans le thème de l'hymne national du Canada.

Récitatif :

Passage vocal de style parlé et déclamatoire souvent suivi d'une aria. Généralement, chaque syllabe du texte correspond à une note de musique (contrairement aux arias où une seule syllabe peut être étendue sur plusieurs notes). Jusqu'à l'époque de Beethoven (début du XIXe siècle), les récitatifs étaient généralement accompagnés seulement à l'orgue ou au clavecin. Le rythme et l'inflexion sont proches de la langue parlée, de sorte que le récitatif est souvent dépourvu d'éléments lyriques. On rencontre des récitatifs surtout dans les oratorios, les cantates et les opéras, souvent avant une aria.

Réexposition:

Troisième et dernière section (après l'exposition et le développement) d'un morceau de musique ou d'un mouvement dans lequel le matériau d'ouverture est repris plus ou moins dans le même ordre que lors de sa présentation initiale, tandis que la tonique est reconfirmée après l'instabilité harmonique de la section du développement.

Retour en haut

S

Scherzo:

Terme italien qui signifie « plaisanterie », le scherzo est un mouvement rapide de mesure ternaire. Il s'agit parfois d'un morceau indépendant, mais il trouve généralement sa place parmi les mouvements intérieurs d'une sonate, d'un quatuor à cordes ou d'une symphonie en quatre mouvements. À partir de Beethoven, le scherzo remplace souvent le mouvement en forme de menuet. La plupart des scherzos sont de caractère léger et énergique, mais ils peuvent aussi prendre une allure démoniaque (comme dans la Cinquième Symphonie de Beethoven) ou même macabre (Quatrième Symphonie de Mahler).

Section de développement:

Partie centrale d'un mouvement ou d'une composition de forme sonate dans laquelle les motifs et les rythmes de la section de l'exposition sont soumis à divers procédés de fragmentation, d’extension, de variation, d'opposition harmonique, de transposition, de juxtaposition et autres, jusqu'au début de la réexposition.

Sonate:

Composition souvent en trois mouvements et généralement écrite pour un instrument solo ou bien pour un instrument à cordes ou un instrument à vent avec piano. La sonate peut être de structure libre (sonare, le mot italien d'où provient le terme sonate signifie tout simplement « jouer »), mais, depuis 250 ans environ, la plupart des sonates comprennent un premier mouvement de forme sonate, un deuxième mouvement lent de caractère lyrique et un troisième mouvement plus court et assez animé.

Sourdine:

dispositif qui sert à étouffer le son. Les musiciens qui jouent d'un instrument à cordes insèrent un petit objet qui ressemble à un peigne à dents larges venant se placer de part et d'autre des cordes; pour les cuivres, les musiciens introduisent un objet conique dans le pavillon de leur instrument; les bois n'utilisent pas de sourdine.

Staccato:

notes brèves et détachées séparées par un espace vide (le contraire de legato).

Stradivari, Antonio(1644?-1737):

Né à Crémone en Italie, Antonio Stradivari est probablement le plus célèbre luthier de tous les temps. Stradivarius est la forme latine de son nom, dont il signait tous ses instruments.

Symphonie:

Morceau de musique pour orchestre durant généralement de vingt à cinquante minutes et souvent en quatre mouvements se présentant dans l'ordre suivant : un imposant premier mouvement de forme sonate; un mouvement lent intensément lyrique et très expressif; un troisième mouvement relativement court adoptant souvent la forme d'un menuet, d'une valse, d'un scherzo ou d'une marche; et un finale rapide et rythmé menant l'œuvre à une conclusion exaltante. Bon nombre des symphonies parmi les plus célèbres du répertoire se conforment à ce modèle, mais il y a bien entendu des douzaines et même des centaines d'exceptions et de variantes.

 

Syncope:

procédé rythmique consistant à mettre l'accentuation sur un temps faible plutôt que d'accentuer normalement les temps forts. On peut aussi considérer que la syncope consiste à accentuer régulièrement les notes « entre les temps ». Tapez du pied tout en fredonnant et demandez à quelqu'un de vous taper dans le dos entre chaque battement de votre pied. Vous produirez alors un son syncopé.

Sérénade :

Composition instrumentale en plusieurs mouvements qui, comme le divertimento, est censée être une musique légère et agréable. Ce terme vient de l'italien sereno, évocation poétique d'un ciel sans nuage à la tombée de la nuit. Par extension, la sérénade était donc un morceau de musique destiné à être joué en principe le soir et en plein air. Comme dans le cas du divertimento (pour les compositeurs, les deux titres étaient souvent interchangeables), la sérénade a atteint le sommet de sa popularité à la fin du XVIIIe siècle. La célèbre Petite Musique de nuit (Eine kleine Nachtmusik) de Mozart est en fait une sérénade.

Retour en haut

T

Tchaïkovski, Piotr Ilitch(1840-1893):

Compositeur russe reconnu pour ses états d'âme intenses, son panache, ses mélodies émouvantes et une orchestration éblouissante. L'Ouverture de 1812, la Symphonie Pathétique et le poème symphonique Roméo et Juliette sont des œuvres qui reflètent bien ces qualités. (Voir aussi Portrait d'un Compositeur : Piotr Ilitch Tchaïkovski)

Tempo:

procédé rythmique consistant à mettre l'accentuation sur un temps faible plutôt que d'accentuer normalement les temps forts. On peut aussi considérer que la syncope consiste à accentuer régulièrement les notes « entre les temps ». Tapez du pied tout en fredonnant et demandez à quelqu'un de vous taper dans le dos entre chaque battement de votre pied. Vous produirez alors un son syncopé.

Temps:

Unité de base du rythme musical; indication des divisions de la mesure par des moyens visuels ou audibles (tapements, comptage à haute voix, battements, etc.).

Thème:

Sujet mélodique principal à partir duquel un compositeur construit un morceau de musique, le fragmentant, le reconstituant, le transposant et le soumettant à des variations harmoniques et autres procédés utiles. Une composition peut comprendre plusieurs thèmes et parfois même un grand nombre d'entre eux.

Timbre:

Qualité sonore propre à chaque instrument. Une flûte ne sonne pas comme un violon ou comme une trompette, même si elle joue exactement la même note.

Tonalité:

Système réunissant les tonalités de majeure et de mineure qui sert de base à la plupart de la musique occidentale à partir de Vivaldi. L'accord tonique de chaque tonalité sert de centre harmonique et constitue un point de repère stable d'où la musique commence et où elle revient. Les musiques écrites au XXe et au XXIe siècle ne sont pas toujours tonales.

Tone Poem:

Autre terme pour désigner le poème symphonique.

Tonique:

(1) Première note d'une gamme; (2) Note fondamentale d'un accord; (3) Tonalité de base d'une composition. Dans ce dernier cas, la tonique est l’orientation tonale d'un morceau, d'un mouvement ou d'un passage musical indiqué par son accord ou sa note tonique (le terme « tonique » équivaut donc à « tonalité de base »). Exemples : Symphonie en do majeur; Concerto pour violon en mi mineur. Évidemment, ce serait bien ennuyeux si la musique demeurait toujours dans la même tonalité. C'est pourquoi, les compositeurs trouvent toutes sortes de moyens pour s'éloigner de la tonique et y revenir par la suite. C'est ainsi qu'un morceau de musique ou un mouvement abordera plusieurs autres tonalités éloignées tout en demeurant dans le contexte de la « tonique ».

Transcription:

Arrangement d'un morceau de musique pour un instrument ou un groupe d'instruments différent (ou pour des voix) à partir de la partition originale. Par exemple, il est possible de transcrire une musique d'orgue pour orchestre complet ou une œuvre destinée à l'origine à un quatuor à cordes pour un quatuor de saxophones. Voir aussi la rubrique Arrangement.

Transposition:

Reformulation d'un thème, d'un passage ou de tout un morceau de musique dans un registre plus aigu ou plus grave.

Trio:

(1) Morceau de musique destiné à trois musiciens jouant, soit du même instrument, soit d'instruments différents. La configuration la plus courante est le trio composé d’un piano, d’un violon et d’un violoncelle. (On désigne un tel ensemble sous le nom de trio avec piano). (2) Section centrale contrastante d'un mouvement adoptant la forme d'un menuet ou d'un scherzo.

Retour en haut

V

Valse:

Danse de salle de bal qui a connu une énorme popularité au XIXe siècle, surtout à Vienne. Danse à trois temps caractérisée par un accent prononcé sur le premier temps (« UN-deux-trois »). Johann Strauss II a écrit de nombreuses valses mémorables, y compris Le Beau Danube bleu.

Verdi, Giuseppe(1813-1901):

Le plus célèbre compositeur d'

opéras

italiens de la deuxième moitié du XIXe siècle. Les opéras de Verdi comme Rigoletto, La Traviata et Aïda, présentent des personnages vraisemblables, une intensité émotive directe et un grand nombre de mélodies inoubliables.

Violon solo:

Chef du pupitre des premiers violons dans un orchestre. (En Angleterre, le violon solo est appelé « leader ».) Son rôle consiste à jouer les solos dans le répertoire orchestral (par exemple dans Schéhérazade de Rimski-Korsakov), à jouer la partie du soliste dans un concerto, à décider des coups d'archet pour tout le pupitre des cordes, pour que tous les musiciens jouent de manière uniforme, et il sert de façon générale de trait d'union entre le chef d'orchestre et l'orchestre dans son ensemble.

Virtuose:

Musicien qui fait preuve d'un degré de compétence extraordinaire et surtout d'une grande agilité technique.

Vivaldi, Antonio(1678-1741):

Compositeur italien le plus connu de la période baroque. Il a écrit une profusion d'œuvres musicales, notamment des concertos pour presque tous les instruments de l'époque, surtout le violon. Son œuvre la plus célèbre, Les Quatre Saisons, est en réalité une série de quatre concertos pour violon, qui incorpore des éléments musicaux décrivant chaque saison. (Voir aussi Portrait d'un Compositeur : Antonio Vivaldi)

Retour en haut

W

Wagner, Richard(1813-1883):

Le plus célèbre compositeur d'

opéra

allemand du XIXe siècle. Les opéras à grand déploiement de Wagner traitent habituellement de sujets profondément spirituels et philosophiques sur des musiques d'une passion intense. Le style harmonique de Wagner a grandement inspiré la musique du XXe siècle. Tannhäuser, Lohengrin et Tristan et Isolde s'inscrivent au nombre de ses opéras.

Retour en haut

Z

Zukerman, Pinchas(1948 - ):

Né en Israël, Pinchas Zukerman est violoniste, altiste et chef d'orchestre. Il est le directeur musical de l'Orchestre du Centre national des Arts. (Voir aussi Pinchas Zukerman)

Retour en haut